Derrière ce projet se cache James Silva a.k.a Jamezila. Dessinateur de son état, ce passionné de films d’horreur a réalisé son premier jeu vidéo en 2001, Zombie Smasher X. La série The Dishwasher est l’aboutissement de plusieurs années de travail acharné, de guitares usées et de zombies massacrés.

Let’s play !

Commençons par le nom: The Dishwasher. Pourquoi un tel choix?

Je travaillais comme plongeur dans un restaurant italien plutôt horrible quand j’ai commencé à penser à Bruce Lee dans Dragon. Il était plongeur aussi et sa patronne le méprisait « tu es plongeur et tu seras toujours plongeur ». Cette histoire a été ma source d’inspiration. J’ai décidé que finalement (et cela prendrait 3/4 ans) je ferai un jeu à propos d’un modeste plongeur qui deviendrait un maître assassin déchaîné.

La série possède une esthétique forte: couleurs désaturées, flou, dessins à l’encre de Chine pour les cinématiques(2). Comment avez-vous travaillé sur ce rendu si particulier ?

Je crois que le style est venu d’un mélange entre le dessin et le code.  J’ai toujours dessiné d’une certaine manière; mais une fois capable de peaufiner le post-traitement et le système de particules(3), j’étais capable de développer un style programmable. Bien entendu, le jeu puise aussi son inspiration dans des comic books comme Sin City ou Max Payne.

Comment réussissez-vous à gérer une violence extrêmement graphique?

Je suis vraiment très mal à l’aise face à la violence réaliste mais vraiment emballé par la violence abstraite des jeux vidéo. Je le conçois en comparant la violence dans les jeux vidéo à la violence contre des objets, comme balancer des assiettes ou démolir une voiture à coups de marteau. Vous ne faites de mal à personne mais vous éprouvez un plaisir unique.

Parlons maintenant des ennemis: zombies, militaires, agents secrets, robots… Quel mélange ! Est-ce un hommage aux jeux qui vous inspirent ou vouliez-vous franchir les limites des genres établis?

Les cyborgs dans The Dishwasher représentent plus ou moins un amalgame de toutes ces choses que j’ai toujours trouvées cool : zombies, robots, ninjas du SWAT. Je pense que les jeux Ninja Gaiden ont à peu près le même schéma de conception.

Il en va de même pour les lieux: les hôpitaux psychiatriques et les cimetières côtoient les architectures futuristes. Les grands piliers de la société (médias, finance et politique) sont coupés du monde, à l’abri dans d’imposantes tours. Comment avez-vous travaillé cet aspect?

Dans un même jeu cohabitent des univers totalement différents. Ils sont plus ou moins inspirés par le cinéma et les jeux vidéo d’horreur. Vampire Smile emprunte beaucoup aux Griffes de la Nuit et au clip d’Alice Cooper : Vengeance is Mine. Dead Samurai possède un peu de The Crow et de Matrix. Évidemment, tout est biaisé par mes propres perceptions et le résultat, quoique très référencé, a une âme vraiment unique.

Dans The Dishwasher: Vampire Smile, un nouveau personnage fait son apparition: Yuki avec son bras tronçonneuse (une possible référence à Madworld?). C’est très agréable de pouvoir jouer un personnage féminin puissant qui n’a pas forcément une poitrine généreuse. L’avez-vous imaginée comme une anti-princesse-à-sauver?

En fait, le personnage de Yuki s’inspire beaucoup des « mauvais » film du cinéma japonais d’exploitation comme Machine Girl ou Princess Blade. Yuki est une anti-héroïne déchue qui part en croisade contre les trois piliers de la société. Mais pas au nom d’un monde meilleur, simplement parce qu’ils sont la cause de son emprisonnement.

The Dishwasher et Yuki possèdent deux petits compagnons, respectivement un corbeau et un chat. Quel est leur rôle?

Ce sont leurs animaux de compagnie mais ils agissent aussi comme des partenaires de coop(4) « soft ».  Il suffit de prendre une seconde manette et d’appuyer sur A pour démarrer le mode coop animale qui se joue comme un twin stick shooter(5). La coop « soft » est désormais une tradition dans les jeux Dishwasher; j’aime donner à ceux qui regardent la possibilité d’interagir sans pour autant vraiment jouer.

Dans les deux jeux, la musique est un personnage à part entière. Elle ponctue les combats mais permet également des pauses salvatrices grâce à des jeux de rythme dispersés dans les niveaux. Quelle importance revêt la musique au sein de vos productions?

Je pense que la musique était plus une excuse pour expérimenter la guitare qu’autre chose! J’ai commencé à faire la musique du premier opus avec seulement un an ou deux d’expérience donc c’était autant un moyen d’apprendre que de m’exprimer.

Le nom des Succès(6) est amusant. Pensez-vous que ce genre de détails ajoute à la valeur du jeu?

Je pense que les Succès sont un bon moyen d’ajouter des niveaux de créativité et de charme au jeu. The Dishwasher : Vampire Smile possède des Succès officiels et officieux, inspirés par ceux de Red versus Blue. Dead Samurai a, mais ce n’est pas mon idée, un Succès déblocable en appuyant sur le bouton Guide de la manette pendant un solo de guitare. C’est inspiré par la performance désastreuse de Peter Moore pendant l’E3.

Où trouvez-vous les ingrédients nécessaires pour concevoir vos jeux vidéos?

Partout ! J’ai toujours aimé les films de Tim Burton, l’horreur à la japonaise, les jeux d’action et toutes sortes de musiques. Mais j’imagine le plus souvent d’un scénario simple et court auquel j’aimerais jouer.

Dites-nous quels jeux récemment sortis vous ont intéressé.

J’ai dernièrement joué à Silent Hill 3 de la HD Collection mais j’attends surtout la sortie Diablo III. J’ai perdu beaucoup, beaucoup d’heures sur Diablo II et pour d’étranges raisons, je suis impatient de recommencer !

Propos recueillis par Javel.

(1) Beat’em’all: prenez votre arme ou vos poings et tuez-les tous.

(2) Cinématiques: scènes (généralement) non jouables qui apportent des éléments sur l’histoire

(3) Système de particules: technique graphique numérique qui permet de simuler des phénomènes naturels.

(4) Coop: mode de jeu coopératif où les joueurs sont partenaires et progressent ensemble.

(5) Twin Stick Shooter: jeu de shoot multidirectionnel

(6) Succès/Trophées: récompense sous forme de points qui se débloque après certaines actions

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The Dishwasher: Dead Samourai (2009)

The Diswasher: Vampire Smile (2011)

http://www.ska-studios.com/

http://www.vampiresmile.com/

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Soundtracks

http://music.ska-studios.com/album/the-dishwasher-dead-samurai

http://music.ska-studios.com/album/the-dishwasher-vampire-smile

Remerciements chaleureux à James « Jamezila »  Silva 

Jusqu’au 23 septembre, le Musée Groninger présente la première grande exposition personnelle d’Iris Van Herpen (Pays Bas, 1984), l’une des créatrices de mode les plus inventives du moment. Cette exposition offre une plongée dans son travail de 2008 à aujourd’hui.

Iris Van Herpen a terminé ses études à l’Institut des Arts ArtEZ à Arnhem en 2006 et effectué des stages auprès, entre autres, d’Alexander McQueen avant de lancer sa propre marque en 2007. Un an plus tard, elle participe au prestigieux concours Createurope : The Fashion Design Award. Ses tenues sont apparues dans les magazines Vogue, Numero, Harper’s Bazaar et Dazed and Confused. En partenariat avec la marque United Nude, elle lance en 2010 une ligne de chaussures en édition limitée. En 2011, la robe 3-D conçue par ses soins est désignée par le Time Magazine comme l’une des cinquante meilleures inventions de l’année. Cette même année, elle devient membre de la célèbre Chambre Syndicale de la Haute Couture.

Iris Van Herpen est connue pour ses créations remarquables dans lesquelles elle combine l’artisanat traditionnel et un méticuleux travail à la main avec des techniques novatrices comme le prototypage rapide et des choix de matériaux radicaux comme des cordages synthétiques de bateau ou des baleines de parapluies d’enfants. A l’aide de ces derniers, elle crée des effets sculpturaux au fort impact visuel, qui donnent un aspect à la fois organique et futuriste à ses tenues. La « mettabilité » du vêtement n’est pas le premier critère, c’est avant tout la création de nouvelles silhouettes qui prime dans le travail de Van Herpen.

Until 23 September 2012, the Groninger Museum presents the first large-scale solo exhibition of the work of Iris van Herpen (Wamel, 1984), one of the most striking designers of this moment. The exhibition offers an overview of her work from 2008 to the present. 

Van Herpen graduated from the ArtEZ Hogeschool voor Kunsten (ArtEZ Institute of the Arts) in Arnhem in 2006, did an internship with Alexander McQueen, among others, and started a label under her own name in 2007. A year later, she was nominated for the prestigious Createurope: The Fashion Academy Award. Her outfits appeared in Vogue, Numero, Harper’s Bazaar and Dazed and Confused. In conjunction with United Nude, she launched a limited-edition shoe line in 2010. In 2011, the 3-D dress that she designed was acclaimed by TIME Magazine as one of the fifty best inventions of the year. In 2011 Van Herpen became a member of the prestigious Chambre Syndicale de la Haute Couture.

Iris van Herpen is renowned for her remarkable outfits in which she combines traditional craftsmanship and zealous handwork with innovative techniques such as rapid prototyping and radical material choices such as processed leather sorts, synthetic boat rigging and the whalebones of children’s umbrellas. With these she creates sculptural effects with an astonishing visual impact, which appear both organic and futuristic. Wearability is not the ultimate criterion, creating a new silhouette is what matters in Van Herpen’s work.

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IRIS VAN HERPEN
du 24 mars au 23 septembre 2012

Groninger Museum
Museumeiland 1
9711 ME Groningen – NETHERLANDS (Pays-Bas)

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http://www.irisvanherpen.com/site/

http://www.groningermuseum.nl/en

Wrong Cops, chapter one est un court-métrage de 13 minutes réalisé par le français Quentin Dupieux, plus connu sous le pseudonyme de Mr Oizo. Présenté au Festival de Cannes, le film met notamment en scène le chanteur Marilyn Manson dans un registre… différent.

Pour vous ouvrir l’appétit, voici le teaser de Wrong Cops, que vous pourrez découvrir en entier à partir du 24 mai sur le site officiel.

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http://www.wrongcops.com/

La photographe américaine autodidacte Alex Prager (née en 1979), puise son inspiration dans les magazines pulps, l’univers cinématographique de réalisateurs tels que Douglas Sirk et Alfred Hitchcock et la photographie de mode. Ressemblant à des images de plateau, ses photos déconcertantes – outrageusement colorées, vertigineusement cadrées et minutieusement éclairées, mettent en scène des femmes au look aussi rétro qu’artificiel, dans des situations souvent périlleuses.

Compulsion et La Petite Mort sont respectivement la série de photographies et le court-métrage les plus récents d’Alex Prager. Dans Compulsion, l’artiste cite ostensiblement ces grands maîtres de la photographie de faits divers que sont Weegee et Enrique Metinides, mais aussi les longs métrages Metropolis de Fritz Lang et Un chien andalou de Luis Buñuel, confirmant une nouvelle fois son attrait pour les mises en scènes ciselées comme on en voit au cinéma. Dans La Petite Mort, l’actrice française Judith Godrèche met à l’épreuve les limites de notre monde et de son propre corps en flirtant avec la faucheuse…

Alex Prager (American, born 1979), a self-taught photographer, takes her cues from pulp fiction, the cinematic conventions of movie directors such as Douglas Sirk and Alfred Hitchcock, and fashion photography. Resembling movie stills, her unnerving photographs—crisp, boldly colored, shot from unexpected angles, and dramatically lit—feature women disguised in wigs, dramatic makeup, and retro attire. 

Inspired by the photography of Weegee and Enrique Metinides, and films such as Metropolis and Un Chien Andalou, Compulsion confirms Prager’s vivid cinematic aesthetic. In her new short film, La Petite Mort, starring French actress, Judith Godrèche, Prager navigates the mystery of death through a woman experiencing the boundaries of her body and those of this world.

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« Compulsion » est exposée à la galerie M+B à Los Angeles, à la Yancey Richardson Gallery à New York et chez Michael Hoppen Contemporary à Londres jusqu’au 26 mai.

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http://www.alexprager.com/

Au 14, rue de La Rochefoucauld dans le 9ème arrondissement de Paris se situe la maison familiale du peintre symboliste Gustave Moreau (1826 – 1898). Dans cette maison modeste et d’aspect provincial qu’il possédait depuis 1852 et où il avait vécu avec ses parents, l’artiste travaillait au troisième étage.

A la fin de sa vie, seul après la disparition de ses proches, Gustave Moreau a l’idée de créer un musée pour son œuvre. Il mûrit lentement ce projet et conserve avec lui la plupart de ses peintures, qu’il retravaille sans cesse et entasse rue de La Rochefoucauld. En 1895, Moreau décide d’entamer les travaux nécessaires. Il conserve l’appartement du premier étage, chargé de tant de souvenirs, et les pièces correspondantes du rez-de-chaussée mais sacrifie les deuxième et troisième étages de la maison afin de les remplacer par de vastes ateliers vitrés offrant le plus d’espace possible.

Le musée de Gustave Moreau est conçu comme un « grand œuvre » où tous les thèmes traités par le peintre devaient être présents. L’élégant escalier en spirale menant du second  au troisième étage s’impose comme l’un des chefs d’œuvres architecturaux du lieu. L’atelier du deuxième étage accueille les toiles de grande dimension ainsi que de nombreux dessins et des maquettes de sculptures en cire. Celui du troisième étage donne la part belle aux compositions mythologiques, aux personnages légendaires et aux couleurs flamboyantes.

Avant même d’avoir pris la décision de transformer sa maison pour qu’elle devienne l’actuel musée, Gustave Moreau envisageait de conserver en un « petit musée sentimental » les pièces de vie du premier étage où il avait vécu heureux avec ses parents. Le visiteur évolue entre la salle à manger où est entreposée une sublime collection de céramiques; la chambre de Moreau qui regroupe les souvenirs de famille; le boudoir consacré aux souvenirs d’Alexandrine Dureux, l’amie trop tôt disparue dont il avait racheté le mobilier, et le cabinet de réception où sont réunis des livres rares et des objets précieux, insolites, soigneusement recueillis par Moreau tout au long de son existence. Il ne s’agit donc pas de l’appartement tel que l’occupaient les parents de Gustave Moreau mais d’un véritable aménagement symboliquement orchestré par l’artiste autour de ses souvenirs et de ceux des êtres chers. Tout y est conservé ou restauré à l’identique, faisant entrevoir au visiteur les fastes d’un siècle révolu, en toute intimité.

Photos Fanny G. & Javel © Roughdreams.fr

Courtesy du Musée national Gustave Moreau

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INFORMATIONS PRATIQUES

Musée national Gustave-Moreau
14, rue de La Rochefoucauld
F-75009 PARIS

Téléphone : +33 1 48 74 38 50 / Fax : +33 1 48 74 18 71

Horaires
Du mercredi au lundi : 10h – 17h15
Fermé le mardi et les jours fériés
A partir du 27 juin 2012, coupure entre 12h45 et 14h les lundis, mercredis et jeudis

Tarifs
Plein tarif : 6,50 €
Tarif réduit : 4,50 €
Gratuit pour les moins de 18 ans, les moins de 26 ans ressortissants de l’U.E. et le premier dimanche de chaque mois.

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http://www.musee-moreau.fr/

Ils utilisent de nombreuses matières premières différentes, mêlant la tradition à l’expérimentation dans une volonté de s’affranchir des conventions et des stéréotypes culturels liés à la céramique et aux arts appliqués.

Les recherches menées dans le cadre de cette collaboration engendrent la production d’objets qui confrontent le passé et le présent, les thèmes classiques et la modernité. Leurs oeuvres se réfèrent de manière récurrente à la société de consommation et à la vanité, l’éphémérité des choses.

Images : courtesy des artistes

Artists Giampaolo Bertozzi (Italian b. 1957) and Stefano Dal Monte Casoni (Italian b 1961) live and work in Italy. They met while studying at the Ceramic Art College of Faenza. Soon thereafter they decided to work together in a collaborative artistic partnership.

They work with many different ceramic materials, using both tradition and experimentation in a continuous attempt to free themselves from conventionality and cultural stereotypes connected to ceramics and to the so-called applied arts.

The artistic research of this collaboration produces objects which link the past and the present along an axis; so that technique, objects, themes and clichés exist together on the same level with the same formal attention in a synthetic world made up of ironic naturalness.

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© PHILIPPE DESMAZES / AFP

Pour le premier événement culturel produit par La Sucrière à Lyon, l’artiste japonaise Chiharu Shiota réalise une installation monumentale dans une totale intégration de l’architecture du bâtiment. Seize robes blanches, suspendues au plafond dans un réseau de corde noire qui a nécessité environ 1000 mètres de coton satin et un camion de laine noire (600km de laine). Chaque robe est réalisée par le créateur Mongi Guibane.

« Pour mon exposition à La Sucrière à Lyon, j’ai imaginé un projet spécifique à l’architecture et l’identité même du bâtiment en utilisant le plafond et les piliers comme structures d’environnement immersif. Seize robes blanches seront suspendues au plafond, entre les piliers dans tout l’espace.  Les robes semblent accrochées individuellement, mais sont toutes reliées par un seul tissu blanc. Le fil noir entoure les robes, dans un tissage autour des piliers créant une atmosphère dense.  Les visiteurs peuvent marcher autour de l’installation et à l’intérieur de celle-ci, naviguer dans l’espace créé par les tissages.

La robe est  une seconde peau. Il arrive que parfois cette seconde peau nous décrive mieux que notre peau elle-même. La robe  « seconde peau » est en nous. Je pense que tout est à l’intérieur du corps – famille, peuple, nation et religion…. Cette relation est intrinsèque, c’est parfois confortable, mais ce peut être aussi contraignant et paralysant. À l’aide de fils qui  entourent la robe  « seconde peau », je fais un environnement qui décrit ces relations. Le tissage obscurcit la vue du spectateur, et les robes deviennent plus difficiles à voir. Les visiteurs sont complètement immergés dans l’installation, ils naviguent  à l’intérieur de la relation entre la robe et les tissages et ils marchent dans un labyrinthe. Cette expérience vise à démontrer la complexité d’être,  en confrontant les visiteurs à eux-même et au travail. Espace, temps, gravité et pensée humaine forment une relation. Toutes ces relations sont représentées dans mon exposition. »

Chiharu Shiota, Oct 2011

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Labyrinth of Memory
du 4 mai au 31 juillet 2012

La Sucrière
Quai Rambaud
69002 Lyon – France

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http://www.chiharu-shiota.com/

http://www.lasucriere-lyon.com/

Passionné de cinéma, Pascal Witaszek réalise des affiches de films… qui n’existent pas. L’effet est saisissant: du casting à l’identité visuelle en passant par le scénario, chaque détail est crédible. L’artiste impressionne par sa connaissance pointue des codes du cinéma français et américain. Mettant à l’honneur les sensations du moment (Ryan Gosling), les spécialistes du biopic sirupeux (Anne Fontaine) ou les indétrônables du genre (George Romero), il révèle également le manque de prise de risque de l’industrie cinématographique.

L’oeuvre de Pascal Witaszek est un hommage, qui parvient par sa grande justesse, à livrer une vision critique des stéréotypes qui enferment les acteurs, les réalisateurs et les films.

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http://www.pascalwitaszek.com/

Les amateurs de curiosités et de sciences naturelles connaissent bien la boutique Deyrolle, située au 46 de la rue du Bac dans le 7ème arrondissement de Paris. Fondée en 1831 par Jean-Baptiste Deyrolle, vite rejoint par son fils Achille, la maison Deyrolle est une véritable institution, à vocation avant tout pédagogique.

De salle en salle, on y découvre de superbes collections d’animaux naturalisés, de minéraux et de coquillages, de papillons et d’insectes qui sont présentées dans une ambiance évoquant de manière assez évidente les cabinets de curiosités.

Dans la salle dédiée à l’entomologie*, en plus des papillons et des insectes eux-mêmes, il est possible d’acquérir tout le matériel nécessaire à l’étude et à la chasse de ces derniers, dont la variété des couleurs et des formes étonne autant qu’elle émerveille.

Dans une volonté jamais reniée de rendre les sciences naturelles accessibles à tous, la maison Deyrolle s’est très tôt consacrée à l’édition, la publication et la vente d’ouvrages spécialisés et de planches didactiques sur la faune et la flore. Ces livres et planches ont longtemps agrémenté les classes des écoles françaises, l’Instruction Publique ayant fait de Deyrolle son fournisseur principal.

Sous l’impulsion de Louis Albert de Broglie, le nouveau propriétaire de la maison, l’activité historique de Deyrolle s’est aujourd’hui tournée vers les enjeux de notre époque : il ne s’agit plus d’expliquer la Terre, mais d‘expliquer comment la préserver à travers l’édition de nouvelles planches pédagogiques sur le développement durable.

Alliant tradition et modernité, Deyrolle cherche à sensibiliser sa clientèle, constituée avant tout de collectionneurs passionnés, d’esthètes et de naturalistes, à la protection de l’environnement. Ici, la Convention de Washington réglementant le commerce des espèces menacées d’extinction est scrupuleusement respectée. Les animaux,  qui sont morts de causes naturelles, proviennent quasiment tous de zoos ou d’élevages.

Il ne s’agit donc pas de promouvoir la chasse « décorative » mais bien d’oeuvrer pour la préservation des espèces en faisant prendre conscience au public de la valeur esthétique, scientifique et culturelle de la faune et de la flore sauvages. Et à voir s’épanouir devant nos yeux les coraux magnifiques, les impressionnants éclatés de crustacés, les fauves majestueux  ou les dizaines d’oiseaux au plumage multicolore, on se dit que Deyrolle remplit brillamment sa mission…

Photos © Fanny G. & Javel / roughdreams.fr

*Entomologie : étude scientifique des insectes.

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Deyrolle tisse aussi des liens avec le milieu de l’art en organisant régulièrement des expositions de photos, peintures ou sculptures sur le thème de la nature. A voir jusqu’au 12 mai 2012, l’exposition « Cires botaniques : l’Art et la matière » de Louis de Torhout.

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Deyrolle

46 rue du Bac – 75007 Paris

ouvert du mardi au samedi : 10h – 19h et le lundi : 10h – 13h / 14h – 19h

http://www.deyrolle.com/

Remerciements particuliers à Adèle Phelouzat-Lombardo et Antoine Zugmeyer.

Le 29 avril dernier, la talentueuse Émilie Simon a offert à son public « A night with Franky » : un concert unique et magnifique à la Salle Pleyel, à Paris.

Elle y a interprété pour la première (et sans doute dernière) fois son nouvel album « Franky Knight » (bande originale du film « La délicatesse ») et a revisité l’ensemble de son répertoire : de son premier album éponyme « Émilie Simon » en passant par l’univers glacé de « La marche de l’empereur », l’organique « Végétal » et les sonorités pop de « The Big Machine ».

De réarrangements musicaux surprenants en émotions à peine contenues, ce concert s’est révélé être un véritable moment de grâce que vous pouvez à votre tour vivre en cliquant sur la vignette ci-dessous :

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http://www.emiliesimonmusic.com/